記憶に残るメロディーの作り方：輪郭・音程・モチーフ

メロディーが記憶に残るのは、聴き手がその一部を予想でき、残りの部分で驚かされるときです。そこにたどり着くための習慣は四つあります。各フレーズに頂点が一つだけあるはっきりした形を与えること。主に順次進行で動き、跳躍はここぞという場面のためにとっておくこと。短いモチーフをくり返し、それから変化させてメロディーを組み立てること。そして強拍に和音構成音を置いて、メロディーがハーモニーにつなぎとめられていると感じさせることです。全体をだいたい一オクターブ以内に収めれば、人が歌い返せるようになります。そして、終わった感じを出したいときだけ、フレーズを安定した音で終えましょう。

あなたのメロディーがでたらめな音の並びに聞こえる理由

メロディーがでたらめに聞こえるのは、何もくり返されず、どこにも向かっていないときです。さまよっている自作のメロディーを聴き返すと、たいてい同じ四つの欠点が見つかります。全体の方向性がないまま上がったり下がったりしている、短いアイデアが一度も戻ってこない、どの音もだいたい同じ長さ、そして強拍の音がその下のコードと無関係、の四つです。

記憶はパターンで働きます。聴き手には、二度目に聴いたときに気づける何かと、注意を引きつけ続ける新しい何かが必要です。無関係な音の連なりにはそのどちらもないので、耳はあきらめてしまいます。

必要な用語はわずかです。

• 順次進行（ステップ）は、スケールの隣の音への動きです。CからD、EからFなど（二度の音程）。
• 跳躍は、それより大きな動き、つまり三度以上の動きです。CからE、CからAなど。三度をスキップと呼び、「跳躍」は四度以上に限る先生もいます。
• 音階度数は、キーの音に番号をつけたものです。Cメジャーでは、Cが1、Dが2、Eが3、Fが4、Gが5、Aが6、Bが7です。番号を使えば、書き直さずにメロディーをどのキーにも移せます。
• 4/4拍子では、1拍目が小節でいちばん強い拍で、3拍目がその次に強い拍です。2拍目と4拍目、そして拍と拍の間の裏拍は弱拍です。

音を選ぶ前に、各フレーズに形を与える

輪郭（コンター）とはメロディーの外形のことで、音の上がり下がりをなぞったときに描かれる線です。先に形を決めておけば、さまよいの大半は防げます。すべての音に、何かに向かって登る、あるいはそこから離れて下りる、という仕事が与えられるからです。

音の高さを決める前に、一つの母音でフレーズをハミングするか、紙に線を描いてみましょう。形がしっくりきたら、それに沿う音を探します。

主な形と、その感じ方

• アーチ型は、頂点まで上がってから下りてきます。完結してバランスのとれた感じがあり、多くの民謡や賛美歌に見られます。
• 逆アーチ型は、低いところまで下がってから登り返します。内省的に始まり、最後に持ち上がる感じです。
• 波型は、小さな上がり下がりをいくつもくり返します。大きな山場はいらないけれど動きは欲しい、ヴァースに向いています。
• 上行型は、上がり続けます。エネルギーを高めていくので、サビへの導入にぴったりです。
• 下行型は、着実に下がっていきます。落ち着いた、悲しげな、あるいは安定した響きで、セクションの締めくくりによく使われます。

よくある組み合わせは、ヴァースに波型か低く狭いアーチ型、サビにより高いアーチ型を使うもので、こうするとサビがぱっと開けたように感じられます。

一つのフレーズに頂点は一つ

各フレーズに最高音を一つ決めて、そこには一度だけ触れましょう。メロディーが毎小節で最高音に達すると、その音は何の意味も持たなくなります。フレーズの後半やサビで一度だけそこに達すれば、聴き手はそれをその線の感情的な山場として聞きます。

同じ考え方は曲全体にも当てはまります。多くの曲はいちばん高い音をサビのためにとっておき、最後のサビだけにとっておく曲もあります。

順次進行、跳躍、そしてジャンプからの立て直し方

歌いやすいメロディーのほとんどは主に順次進行で動き、感情が高まるところに跳躍をいくつか置いています。順次進行は歌いやすく、追いやすい。跳躍はエネルギーと感情を加えますが、跳躍ばかりで組み立てたメロディーはぎざぎざに聞こえ、誰にとっても歌い返しにくくなります。

メロディーが跳ねすぎていると感じたら、フレーズごとの跳躍の数を数えてみましょう。初心者なら、四小節のフレーズにうまく置かれた跳躍が二つか三つあれば十分です。あとは順次進行と同音の反復でかまいません。

音程の大きさで感じ方が変わります。三度のような小さな跳躍はおだやかに聞こえます。四度や五度は開けた力強い響きで、アンセムやファンファーレはこの音程だらけです。六度やオクターブはドラマチックで切ない響きがあり、「Over the Rainbow」の冒頭のオクターブ跳躍はよく知られた例です。

大きな跳躍のあとはすき間を埋める

大きく跳躍したら、反対方向へ順次進行で戻りましょう。CからAへ跳び上がったら（六度）、続けてG、F、Eと進みます。跳躍はスケールにすき間を開け、そこを順に戻ることで、ジャンプが偶然ではなく意図したものに感じられます。メロディーを教える人はこれをギャップ・フィルと呼び、一度意識して聴くようになると、あちこちの曲で耳にするはずです。

同じ方向に大きな跳躍を重ねるのは避けましょう。例外は、跳躍がコードをなぞっている場合です。Cコードの上でC、E、G、Cと上がっていくのが自然に聞こえるのは、耳がそれを一つの響きを分解したものとして聞くからです。

短いモチーフから曲全体を組み立てる

モチーフとは、短い音楽の細胞のようなもので、たいてい二つから五つの音でできていて、特徴のあるリズムを持っています。ベートーヴェンの交響曲第五番の冒頭、速い同音三つと低く長い音一つが教科書どおりの例で、第一楽章の主題の多くは、この四つの音のアイデアから育っています。

交響曲ほどの展開は必要ありません。ポップスのサビなら、一つのモチーフを少しずつ変えながら四回使うだけで、聴き手が一度聴いただけで口ずさめるようになります。

良いモチーフには、はっきりしたリズムと明確な方向があります。E、D、Cを「短・短・長」のリズムで歌えば、立派に使えるモチーフになります。主音に向かって順次進行で下りる三つの音です。

モチーフに変化をつける方法

• そのままくり返す。聴き手はこうして覚えます。
• ゼクエンツ（反復進行）で動かす。形とリズムはそのままで、出だしの音を変えます。E D CがD C B、あるいはF E Dになります。
• 終わりを変える。最初の音は残して最後の音だけを変え、E D CをE D Gにします。
• 方向を逆にして反行させる。下行するE D Cが、たとえばF G Aのような上行になります。
• リズムを変える。音を倍の長さにのばす（拡大）、半分にする（縮小）、あるいは小節の中でモチーフが始まる位置をずらします。
• 断片化する。モチーフの一部だけ（たとえば最後の二音）を小さなこだまのように使います。

四つのフレーズでできたセクションによくある設計は、提示、くり返し、変化、そして新しいものか回帰、という流れです。a、a、a'（変化形）、bと書けます。最初の二つのフレーズがアイデアを教え、三つ目がそれをひねり、四つ目が耳に着地する場所を与えます。

同じ提示を二回続けるのはたいてい意図的に聞こえますが、三回目もまったく同じだと、下のコードか歌詞が変わらない限り、行き詰まったように感じられ始めます。何度も戻ってくるフレーズなら、最後の音、リズム、出だしの音高など、毎回どこか小さく変えましょう。

人が覚えているものの半分はリズム

同じ音高を違うリズムで弾けば、違うメロディーになります。「きらきら星」（Twinkle, Twinkle, Little Star）の冒頭（C C G G A A G）を、均等な音符ではなく、跳ねるような長・短、長・短のリズムで弾くと、子守唄には聞こえなくなります。聴き手は、音高なしで手拍子したリズムだけでメロディーを当てられることがよくあります。

ですから、モチーフを新しい音に移すときはリズムを保ちましょう。同じアイデアだと聴き手に伝えるのはリズムです。

音の長さを混ぜましょう。すべて同じ長さの音で書いたフレーズは、音階練習のように聞こえます。短い音のあとにフレーズ末でのばす音を置くと、線に息を吸って吐くような感覚が生まれます。休符も入れましょう。止まることのないメロディーにはフレーズがなく、歌い手には息を吸う場所がありません。

ダウンビートの少しあとからフレーズを始めたり、拍より少し前に音を置いたり（シンコペーション）すると、毎回きっちり1拍目から始まるフレーズにはない個性がメロディーに生まれます。

強拍に和音構成音を置く

1拍目と3拍目に来る音は、主にその下のコードに属する音にしましょう。和音構成音とは、コードのルート、三度、五度のことです。CメジャーコードならC、E、G、FメジャーならF、A、C、GメジャーならG、B、D、AマイナーならA、C、Eです。これらの音が強拍に来ると、間で動き回っていても、メロディーがハーモニーにつなぎとめられて聞こえます。

その間の音が、和音構成音どうしをつなぎます。経過音は、ある和音構成音から別の和音構成音へ順次進行で歩いていく音です（Cコードの上でE、D、Cと進むとき、弱拍のDが経過音）。刺繍音は、一歩離れてすぐに戻ってくる音です（E、F、E）。どちらも弱拍にあって順次進行で動くので、なめらかに聞こえます。

このルールは意図的に破ることもできます。強拍に非和声音を置き、それを順次進行で和音構成音へ解決させると、表情豊かな緊張の瞬間が生まれます。Fコードの上で1拍目にGへ跳び上がり、そこからFへ一歩下がると、小さな痛みが生まれて解決します。このように、ぶつかる音に跳躍で到達して順次進行で解決するものを倚音（アポジャトゥーラ）と呼びます。一つのセクションで一、二度使えば感情が加わります。どこでも使うと、間違った音に聞こえます。

毎小節コードが変わる進行の上で書いているなら、各小節の1拍目の音を見て、それがその小節のコードに属しているかを確かめるのが手早いチェックです。答えが「いいえ」であることが多く、その音が順次進行で解決していないなら、メロディーが外れて聞こえるのはおそらくそこです。

緊張と解決、そして互いに答え合うフレーズ

メロディーは、最後の音が安定した音階度数なら終わった感じがし、不安定な音で止まると終わっていない感じがします。メジャーキーでは1、3、5が安定しています。その他の音はどこかへ傾いています。7は1へ上がろうとし（CメジャーならBからC。7が導音と呼ばれるのはこのためです）、4は3へ下がりがちで（FからE）、2は1へ下がりがちです（DからC）。

メロディーが「終わる」のではなく「ただ止まる」なら、各フレーズの最後の音を確かめましょう。毎フレーズの最後で1に着地するメロディーは四回も終わってしまい、聴き手を先へ引っぱるものが何もありません。一度も1に着地しないメロディーは、聴き手を宙ぶらりんにします。

解決策は、問いと答えのフレーズづくりです。最初のフレーズを2、4、5のような不安定、あるいは半ば安定した音で終えて、問いのように聞かせます。二つ目のフレーズを1で終えて、答えのように聞かせます。二つのフレーズは同じように始めて最後の音だけを変えてもよく、その組み合わせによって一つの完結した考えとして聞こえます。

家のコードの上で1に到着するのは、セクションの最後までとっておきましょう。先延ばしにすることで、満足感が生まれるのです。

人が歌える音域に収める

民謡や賛美歌、ポップスのサビのように、誰もが歌うために書かれたメロディーは、たいてい一オクターブ以内に収まっています。大きな跳躍でそれを超えるほど、歌の訓練を受けていない人には難しくなります。聴き手に一緒に歌ってほしいなら、メロディーをだいたいその幅に収めましょう。「The Star-Spangled Banner」（アメリカ国歌）は一オクターブと五度にわたり、まさにそのせいで歌うのが難しいことで有名です。

盛り上がりを作る簡単な方法は、ヴァースを音域の低い部分にとどめ、サビを高く移すことです。そうすれば、音を増やさなくてもサビが大きく聞こえます。

メロディーは楽器だけでなく、自分の声で試しましょう。楽器はどんな音程でもきれいに弾けるので、ぎこちない跳躍が隠れてしまいます。いちばん上で苦しくなったり、いちばん下でもごもごしたりするなら、メロディー全体を別のキーに移すか、頂点が低くなるようにフレーズの形を作り直しましょう。

Cメジャーでの実例

ここまでのアイデアをすべて使った、八小節のメロディーです。4/4拍子で、一小節に一コード。最初のフレーズはC、G、Am、F（I、V、vi、IV）を使います。二つ目のフレーズは、家のコードで閉じられるようにC、F、G、C（I、IV、V、I）に切り替えます。リズムは最後の小節を除いて、すべての小節で四分音符、四分音符、二分音符（短・短・長）です。

中央Cから始まるオクターブで弾くと、音域は中央Cのすぐ下のBから上のAまでで、一オクターブ未満です。

パーツがどう組み合わさっているか見てみましょう。最初のフレーズは2小節目でBまで下がり、3小節目でAまで登ってから再び下がるので、輪郭は小さなくぼみのあとにアーチが続く形です。頂点のAはそのフレーズで一度だけ、3小節目の3拍目、つまりフレーズの後半に現れます。3小節目の上昇は三度と四度で上がり、4小節目はA、G、Fと順次進行で下りてすき間を埋めます。すべての1拍目と3拍目には、その小節のコードの和音構成音があります。最初のフレーズは度数4のFで終わり、これはEへ下がろうとするので問いのように聞こえます。二つ目のフレーズはBのあとのC、つまり7から1への引力で終わるので、答えのように聞こえます。

一度に一つずつ変えてみましょう。6小節目を4小節目とまったく同じものに替えると、二つ目のフレーズは独自の個性を失います。頂点を1小節目に移すと、アーチは平らになってしまいます。

メロディーを忘れられやすくするよくある間違い

メロディーがうまくいかないときは、捨ててしまう前にこのリストを確認しましょう。

• 最高音がほぼすべてのフレーズに出てくるので、どこにもクライマックスを感じない。
• すべての音が同じ長さ。
• 何もくり返されない。あるいは一つのアイデアがまったく変化せずにくり返される。
• すべてのフレーズが1で終わるので、曲が前に進まず止まってばかりいる。
• 音域が訓練していない声で扱える幅を超えている。あるいは順次進行で立て直すことなく、跳躍が次々に続く。
• メロディーが各コードのルートをなぞっているので、メロディーというよりベースラインに聞こえる。
• 1拍目の音の多くがコードとぶつかり、解決しない。

これらの多くを引き起こす習慣がもう一つあります。楽器に手を置いたままでしか書かないことです。指はなじみのある形や音階のパッセージに流れがちです。楽器から離れてハミングし、あとで音を探すほうが、リズムが自然で歌いやすい音域の線が生まれやすくなります。

毎日十分間のメロディー練習

メロディーは、短いものをたくさん書くことで上達します。習慣をつくるには、一日に集中した十分間があれば足ります。

1. C、G、Am、Fのような四つのコードのループを選び、弾くかループ再生する。
2. その上で二、三分、評価せずにハミングする。その間ずっとスマートフォンで録音しておく。
3. 聴き返して、いちばん良い二つから五つの音を選ぶ。おおまかなリズムをつけて音階度数で書き留める（たとえば3 2 1、短・短・長）。
4. 上の技法を使って、そのモチーフの変化形を三つ書く。ゼクエンツ、終わりを変えたもの、反行形。
5. 四つのフレーズをa、a、a'（変化形）、bと並べ、頂点を一つどこに置くかを決め、最後のフレーズが1で終わるようにする。

このどれにも、楽譜を読む力は必要ありません。音階度数の番号とボイスレコーダーがあれば十分で、どのキーでも使えるという利点もあります。理論は、耳がすでに気に入っているものがなぜうまくいっているのかを理解するための語彙として、そしてうまくいっていないフレーズを直すために役立ちます。まずハミングし、それから出てきたものを形にしましょう。

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